Unter dem Thema Video und Film als Analyse der Landschaft organisiert MAPA eine Nachmittagsvorführung verschiedener Beiträge lateinamerikanischer Künstler und Filmemacher. Die Werke zeigen Landschaft als räumliches, ästhetisches, und soziales Konstrukt.

Lateinamerika ist ein imaginärer Ort, der sich weder sprachlich (spanisch/portugiesisch, englisch, französisch, quechua, aymara, guaraní, etc.) noch geografisch (Nord-, Mittel-, Südamerika) noch politisch (sozialistisch, neoliberal) oder klimatisch (Wüste, Dschungel, Eismeer) leichterhand definieren lässt. All diese Faktoren schaffen in ihrer spezifischen Konstellation eigene soziale Orte. Die Geographie wird dabei zur Kulisse dieser Orte, und damit zur kulturellen Landschaft. Diese Kulisse ist es, die die Künstler und Filmemacher der Journée in ihren Bann zieht und gleichzeitig zahlreiche Probleme aufzeigt. Die Erforschung dieses Raums führt in manchen Beiträgen in die Irre, oder sogar in Gefahr. In anderen ist es die teils schleichende, teils rapide Veränderung des natürlichen und urbanen Raums, was die Künstler beschäftigt. Hintersinnig sezieren die Filmemacher, welche politische oder ethnische Gruppen um die Platz- und Deutungshoheit kämpfen und mit welchen Folgen. Schliesslich behandeln einige der Beiträge den Zustand der Ortlosigkeit anhand der Exilerfahrungen in zahlreichen Migrationsströmungen. Visuell und narrativ arbeiten die vorgestellten Künstler ganz unterschiedlich, was sich in kontemplativen bis übersättigten Sequenzen ausdrückt, in entweder interpretativ freien Werken bis hin zur klassischen Reportage.

What is America? Certainly not just the United States of America, as prominently posited by Alfredo Jaar. America, after Aníbal Quijano, is the correct term for the region historically occupied by the Spanish and Portuguese colonies, ranging from California to the Argentine Pampas. Yet the ascendance of the Anglo-American empires relegated the better part of the Western Hemisphere to an imaginary South. While under colonial rule such generalization followed its own, contemporaneous logic, today the term Latin America functions as a historical construct and subsumes greatly different climatic, political, and cultural regions. Departing from concepts imposed on America, the video journée organized by MAPA presents works from within America. How do artists from Bolivia, Colombia, Chile, and Peru relate to their land in geographical and social terms? Do they call it “their” land at all, and what frictions emerge in the cultural and political appropriation of land? What traces of human history have been inscribed onto nature, be it in the desert or the rainforest? In short, how is the Latin American landscape constructed and contested?

The videos and films presented during the journée come from various genres. The artists touch on or specifically address these topics in their documentaries, performance documentation, and video pieces. While the theme is vast, the artists work with particular aspects at the margins of landscape. They single out historic locations, trace their development over time, identify power relations and interests, picture the current situation and intervene. They move within these spaces, with and without destination, by way of encounters or solitarily. In doing so, they shape their landscapes as much as they show us how landscapes are constructed and represented. For the duration of the individual works, America dissolves into a scattered array of geographical patterns, colors, communities and ideas, and with the black of the screen reassemble as the concrete reality we may or may not accept as a given.

Alfredo Jaar A Logo for America, 1987 Video Art Latin American Landscape MAPA Videojournée Cabaret Voltaire
Alfredo Jaar, "A Logo for America", 1987, Public intervention, Video: 00:38, Original animation commissioned by The Public Art Fund for Spectacolor sign, Times Square, New York, April 1987. Courtesy Public Art Fund, New York, Daros Latinamerica Collection, Zurich, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Faena Art, Miami, Galerie Lelong & Co., New York and the artist, New York

Alfredo Jaar (1956, Chile) ist Künstler, Filmemacher, Architekt und beschäftigt sich in seinen Videos und installativen Arbeiten mit sozialen und politischen Themen sowie der Rolle von Bildern in unserem Umgang mit ihnen. In “A Logo for America,” das während der Journée anhand der Dokumentation der Intervention gezeigt wird, geht er ausdrücklich die Verwendung des Begriffs Amerika an. Amerika, so Jaar, ist nicht nur die Vereinigten Staaten, die sowieso nur ein Drittel Nordamerikas ausmachen, sondern Nord-, Mittel- und Südamerika zusammen. Die Intervention auf dem Times Square richtet sich an das Selbstverständnis vieler US-Amerikaner und eröffnet neue Fragen zur Definition des Begriffs und zur tatsächlichen Situation des Verbindung der vielen Amerikas.

Alfredo Jaar (1956, Chile) is an artist, filmmaker, and architect who, through his work, addresses social and political issues, and studies the role images play in the way we deal with them. In “A Logo for America,” which is shown at the journée by way of the intervention’s documentation, Jaar explicitly questions the use of the term America. America, according to Jaar, is not just the United States, which anyway only cover about a third of the North American continent, but comprises all of North, Central, and South America. The intervention in Times Square addresses the self-conception of many US-American citizens and opens up new questions on the definition of the term and the actual situation of the connection and unity of the many Americas.

Videojournée Claudia del Fierro, Still from "El Complejo", 2017
Claudia del Fierro, Still from "El Complejo", 2017

Claudia del Fierro (1974, Chile) ist Performance Künstlerin und Filmemacherin mit Abschlüssen in Chile und Schweden. Sie präsentierte ihre Werke in Einzelausstellungen in Kanada, Australien, Schweden, und Chile. Ihre Arbeit fusst auf einer Analyse der sozialen und politischen Landschaft, besonders, wo sie von bestimmten Arbeitsstrukturen oder einseitig von historischen Narrativen geprägt sind. “El Complejo” (Der Komplex) ist ein ausführliches geschichtliches Porträt des forstwirtschaftlichen Betriebs Panguipulli im Süden Chiles, welcher während der Allende Regierung Anfang der 1970er in einen Ort sozialer Mitbestimmung wurde. Nach dem Putsch gegen Allende formierte sich heftiger Widerstand gegen die Pinochet Diktatur, welcher 1973 und 1981 zu gewaltsamen Angriffen beider Seiten und mehreren Toten führte. Anhand Interviews mit Zeugen und historischen Materials arbeitet del Fierro sowohl die Geschichte dieses Orts auf als auch ihre nachträgliche Darstellung in Medien und vor Ort.

Claudia del Fierro (1974, Chile) is a performance artist and filmmaker with degrees from universities in Chile and Sweden. She exhibited her work in solo shows in Canada, Australia, Sweden, and Chile. Her practice bases on analyses of social and political landscapes, especially when they are influenced by certain labor structures or one-sided historical narratives. “El Complejo” (The Complex) is a historical portrait of the forestry structure Panguipulli in the South of Chile. During Salvador Allende’s administration, it was transformed into a place of social participation by its own workers. After the Coup, the local population resisted the takeover of the site by the new government, which led to violent attacks from both sides and several casualties in 1973 and 1981. By way of interviews of eye witnesses and archival material, del Fierro retraces the history of this social project as well as its representation by official media and locals during its existence and over time.

Chile Easter Island Rapa Nui MAPA Videojournée Landscape Video Art Carlos Silva, Still from "El paisaje que habla, Rapa Nui"
Carlos Silva, Still from "El paisaje que habla, Rapa Nui" 2015

Carlos Silva (1979, Chile) ist Künstler, Dozent, und Kurator (mehr auf unserer Künstlerseite). Für die Video Journée zeigen wir zwei Teile seiner Serie “El paisaje que habla” (Die sprechende Landschaft), einmal im Ort María Pinto in Zentralchile, und einmal auf Rapa Nui, der Osterinsel. Silva projiziert für das erste Video die schemenhafte Züge eines Mannes, der die Basisdaten dieses Orts wie auf Wikipedia beschrieben vorträgt. Für Rapa Nui befragt er Einwohner der Insel, wie sie Landschaft definieren. Die Natur ist dabei der Inhalt des Gesprochenen, aber in Realität und im Video nur Kulisse für den Menschen, der sie abstrahiert. Zusätzlich zeigen wir “La ventana” (Das Fenster), eine Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller Marcelo Mellado als poetische Annäherung an die stark von der Industrie beanspruchte Küste im Norden der Region Valparaiso.

Carlos Silva (1979, Chile) is an artist, teacher, and curator (more on our artist’s page). For the screening we selected two parts of his series “El paisaje que hable” (“Talkscape”), one being from a small place in central Chile, María Pinto, and the other in Rapa Nui, the Easter Island. In the first, Silva projects the schematic outlines of a man reciting the basic data of the place taken from Wikipedia. In a similar stylistic fashion he asked locals in Rapa Nui what landscape meant for them. In both, nature is the topic of what is being said, but in reality and so rendered in the videos, it is only a backdrop for humans who abstract and mediate it. In addition, the screening features “La ventana” (The window), a collaboration with the writer Marcelo Mellado as a poetic approach to the coastal landscape in the north of the Valparaiso region which has been massively affected by heavy industries.

Bolivia MAPA Latin American Landscape Video Art Cabaret Voltaire Zurich Narda Alvarado, Still from "From Harvard to Warisata", 2018
Narda Alvarado, Still from "From Harvard to Warisata", 2018. Photo courtesy Mauricio Carazas

Narda Alvarado (1975, Bolivien) ist eine medienübergreifende Künstlerin, die die künstlerische Arbeit nicht nur als ästhetischen Prozess, sondern als philosophische, ethische und soziale Form der Analyse, Kritik, und Veränderung unserer Welt versteht. Ihre akademische Karriere basiert auf einem Architekturstudium in La Paz und einem interdisziplinären Abschluss am Massachusetts Institute of Technology. Ihre in vielerlei Hinsicht vielseitige und non-konforme Arbeit präsentieren wir anhand dreier Werke: “From the Atlantic with Love” (2002-2003) zeigt die hoch symbolische Übergabe von Wasser aus dem Atlantik an die bolivianische Marine (Bolivien verlor 1879 den Zugang zum Pazifik an Chile); “From Harvard to Warisata (2018) erzählt die Geschichte US-amerikanischer College-Pullis, die sich als Prestige-Objekte und Zeichen der Dominanz anglo-sächsischer Schuldbildung auf dem Strassenmarkt der indigenen Millionenstadt El Alto wiederfinden, während die Warisata Schule im Hochland eine komplett selbst-organisierte Form des Unterrichts bereitstellt und lokales Wissen emanzipiert; und schliesslich “The Spirit of Things to Come” (2015), ein Künstlerbuch, welches unsere angeblich universalen Kategorien von Zeit, Ort, und Zusammenleben spielerisch neu denkt.

Narda Alvarado (1975, Bolivia) is an artist working across media who understands art not only as an aesthetic process but also as a philosophical, ethical, and social form of analyzing, criticizing, and changing our perceptions of the world. Her academic career roots in an architecture degree obtained in La Paz and interdisciplinary studies at the Massachusetts Institute of Technology. MAPA presents her diverse and unconventional body of work in three videos: “From the Atlantic With Love” (2002-2003) shows the highly symbolic transfer of water brought from the Brazilian Atlantic to the Bolivian navy (Bolivia lost its access to the Pacific in 1879 in a war with Chile); “From Harvard to Warisata” (2018) juxtaposes scenes from the open-air market of the largest indigenous city in Latin America, El Alto, flooded with US-American college sweaters dealt as prestige objects and emblems of the dominance of Anglo-American education, while in the Highland the Warisata school is a completely self-organized institution emancipating local knowledge; and finally “The Spirit of Things to Come” (2015), an artist book which playfully rethinks our supposedly universal conceptions of time, place, and living together through a renewed understanding of spirituality and ingenuity.

MAPA Videojournée Cabaret Voltaire Zurich Latin American Landscape Iván Argote, Still from "Plaza del Chafleo", 2018
Iván Argote, Still from "Plaza del Chafleo", 2018

Iván Argote (1983, Kolumbien) ist ein multidisziplinärer Künstler mit einem Abschluss der Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Seine objektbasierten oder relationellen Projekte werden weltweit ausgestellt, kürzlich in einer Einzelausstellung im MALBA in Buenos Aires. In seiner Arbeit geht er auf den Zusammenhang zwischen Geschichte, Tradition und Politik mit den Laufbahnen einzelner Personen ein. In der Video Journée zeigen wir ein neues Werk, “Plaza del Chafleo” (Platz des Schaffelns), in dem er einen fiktiven Ort beschreibt, dessen Name—ein Neologismus—sich der Bedeutung annimmt, welche Aktivität sich auf dem Platz abspielt, sei es spielen, demonstrieren, sich lieben… Im Kontext der Journée ist Argotes Video ein ermutigender Beitrag für eine kreative Gestaltung der unserer Lebensräume in der Zukunft.

Iván Argote (1983, Colombia) is a multidisciplinary artst with a degree from the Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Both his object-based and relational art projects are exhibited worldwide, most recently in a solo-show at the MALBA in Buenos Aires. His practice revolves around the relation between history, politics, and traditions on the lives and feelings of individuals. During the video journée we present a new work, “Plaza de Chafleo” (Shaffle Plaza), in which he describes an imaginary place whose name—a neologism—acquires the meaning from the activity which takes places in this square, be it children playing, people demonstrating, lovers meeting… In light of the program of the journée, Argote’s work is an optimistic and poetic contribution to a genuine and positive creation of the places we inhabit.

Videojournée MAPA Zurich Marcela Moraga, Still from "Futuro", 2018
Marcela Moraga, Still from "Futuro", 2018

Marcela Moraga (1975, Chile) ist eine in Berlin arbeitende Künstlerin mit Abschlüssen von Universitäten in Santiago, Hamburg und Berlin. Sie hat an Ausstellungen unter anderem in Holland, Russland, Ägypten und Korea teilgenommen. Neben Performances arbeitet sie auch mit Textilien, Installationen, und kollaborativ mit Dorfgemeinschaften. Während der Videojournée präsentieren wir ein Panorama ihrer Arbeiten. In “Futuro” (2018) marschiert sie entlang der Küste in der Magallanes Provinz in Südchile und evoziert damit die europäische Eroberung dieses Territoriums und darüber hinaus die aktuelle strategische Bedeutung des Orts für den Zugang zur Antarktis. In “Protection of the Senses” (2010) säubert sie fast zwanghaft ein Stück Waldboden. “Like a Selknam” (2005) zeigt sie in Rotterdam als Selknam, eine vernichtete Kultur im Süden Chiles, als Erinnerung an die letzten Menschen, die eine Verbindung mit einer mehr oder weniger unberührten Natur hatten. “Proxyland” (2003) ist eine Collage digitaler und fotografischer Landschaften als Auseinandersetzung mit der Digitalisierung.

Marcela Moraga (1975, Chile) is an artist working in Berlin with degrees from art schools in Santiago, Hamburg, and Berlin. She has participated in exhibitions worldwide, from the Netherlands to Russia to Egypt and South Korea. Apart from performances, she also works with installations, textiles, and community-based projects. During our video journée, we present a panorama of her video works. In “Futuro” (2018), she walks along a coastline in the Magallanes Region in Chile, referencing the European conquista of these lands as well as their strategic location as gate to the Antarctic today. In “Protection of the Senses” (2010), Moraga obsessively cleans up a small lot in a forest. Situated in Rotterdam, “Like a Selknam” (2005) shows Moraga transforming into a Selknam, an indigenous extinct culture in the extreme south of Chile, in order to remember the last people with a more or less unspoiled connection to nature. “Proxyland” (2003) is a collage of digital and photographic landscapes as a critical comment on the pervasive digitization of everyday life.

Videojournée MAPA Cabaret Voltaire Zurich Latin American Landscape Brazil Dam Video Carolina Caycedo, Still from "A Gente Rio", 2016
Carolina Caycedo, Still from "A Gente Rio", 2016

Carolina Caycedo (1978, UK) wurde als Kind kolumbianischer Eltern in London geboren und lebt derzeit in Los Angeles. Ihre Werke wurden vielerorts in Europa und Nord- und Südamerika gezeigt, z.B. in den Biennalen im New Museum, im Whitney, in Havanna, Venedig, und Istanbul. 2018 zeigte la_cápsula ihre Arbeit erstmals in Zürich. Caycedo arbeitet bewusst sozial engagiert in ihren Projekten und bezieht die lokale Bevölkerung mit ein, was sich in ihrem Arbeitsprozess und in der finalen Ausstellung widerspiegelt. In ihrem Video “A Gente Rio” (The People River) porträtiert sie die Menschen, die gegen Dammbauprojekte in Brasilien protestieren oder schon umgesiedelt wurden, z.B. im Fall des Itaipu Dam, the Belo Monte Dam, dem Bento Rodrigues Dam, oder dem geplanten Damm im Vale do Ribeira. Die Idee, das Land zu modernisieren, wurde in allen Fällen umgesetzt mit Mängeln bei der Vergabe von Lizenzen, Landenteignung, ökologischen Katastrophen, und stets gegen den Widerstand der lokalen und indigenen Bevölkerung. Das Video erzählt die Erfahrungen dieser Menschen mit den Orten vor und nach dem Bau der Dämme, von ihrem Wissen von und ihrer Beziehung mit dieser Landschaft, und den tiefgreifenden Veränderungen, die ihnen auferlegt wurden.

Carolina Caycedo (1978, UK) was born to Colombian parents and currently lives in Los Angeles. Her work has been widely shown in the Americas and Europe, with a strong presence at major biennials such as at the New Museum, the Whitney, and in Havana, Venice, and Istanbul. In 2018, la_cápsula brought her work to Zurich for the first time. Caycedo takes an explicitly social approach in her practice, engaging the communities of the places and themes she works in, during the process of researching and compiling a work, as well as in an exhibition context. In her video “A Gente Rio” (The People River) she portrays the people fighting against or already displaced by gigantic river dam projects Brazil, such as the Itaipu Dam, the Belo Monte Dam, the Bento Rodrigues Dam, or the planned project in the Vale do Ribeira. In these cases, the initial idea to modernize the country was realized with widespread irregularities in licensing, large-scale land expropriation, massive environmental disasters, and against a broad resistance by local and indigenous groups. The video recounts the people’s experience of the places before and after the projects were realized, of their knowledge and relation to the landscape, and the profound changes they were subjected to.

Peru MAPA Videojournée Latin American Landscape Art Video Cabaret Voltaire Zurich Luz María Bedoya, Still from "Dirección", 2006
Luz María Bedoya, Still from "Dirección", 2006

Luz María Bedoya (1969, Peru) ist eine Künstlerin, die mit Photographie, Text, Sound und prozessbasierter Kunst arbeitet. Ihre Ausstellungskarriere beinhaltet Stationen in Peru, Argentinien, Frankreich, China, und den USA, wo sich ihre Werke in bedeutenden Sammlungen wiederfinden. In der Videojournée zeigen wir “Línea de Nazca” und “Dirección” (Adresse, Richtung), die sich beide mit der Bewegung innerhalb einer Landschaft beschäftigen. “Línea de Nazca” zeigt eine Fahrt durch die berühmten präkolumbianischen Formationen in der Wüste Perus, die selbst jedoch durch die bodennahe Perspektive nicht sichtbar sind. Die Stätte ist heute durch die Nutzung des Terrains durch den Fernverkehr und Motorsport bedroht. “Dirección” zeigt Menschen, die nacheinander in die eine oder andere Richtung zeigen, und die Künstlerin durch ganz Lima führen, jedoch ohne Ziel.

Luz María Bedoya (1969, Peru) is an artist working with photography, text, sound, and process based art. Her exhibition career includes single and group shows in Peru, Argentina, France, China, and the US, where her works are part of important collections. The video journée presents two video pieces, “Línea de Nazca” and “Dirección” (Direction, Address), which both thematize the movement in a landscape. “Línea de Nazca” was shot driving through the famous precolumbian landscape in the desert of Peru. The ancient stone lines, however, are not visible from the low perspective of the car, as they would be from airplanes hired by tourists. Today the site is endangered by a growing infrastructure, traffic, and motorsports. “Dirección” shows people pointing one by one in one or the other direction, thus sending the artist to various places in Lima, but without a concrete destination.

Barbara Oettinger, "Who said we did not know?" 2018 Latin American Landscape Video Art MAPA Videojournée Cabaret Voltaire
Bárbara Oettinger, Still from "Who Said we did not know?", 2018

Bárbara Oettinger (1981, Chile) ist Künstlerin und Filmemacherin mit Abschlüssen von der Universität Chile, der Päpstlichen Universität Chile, und dem Pratt Institute in New York. Sie hat bereits weltweit ausgestellt, unter anderem in den USA, Frankreich, Spanien, Deutschland, Indien, Indonesien, und Korea. In ihrem Video “Who said we did not know?” unterlegt sie ein fiktives Streitgespräch eines Migranten und eines xenophoben US-Amerikaners mit Szenen von Überwachungskameras und aus Nachrichtenberichten. Diese Fotos und Videos aus dem Internet zeigen illegale Grenzübergänge und die damit verbundenen Gefahren für die Migranten, die grossenteils auf Polizei und quasi-militärische Vorrichtungen treffen. Der hektische Schnitt Oettingers schafft eine Unruhe und Unbehagen, das die verfahrene Konversation der zwei Sprecher spiegelt und das Dilemma der sprichwörtlichen Fronten verdeutlicht.

Bárbara Oettinger (1981, Chile) is an artist and filmmaker with degrees from the University of Chile, the Catholic University of Chile, and Pratt Institute in New York. She has exhibited her works and videos worldwide, such as in the US, France, Spain, Germany, India, Indonesia, and Korea. In her video “Who said we did not know?” she merges a fictitious argument between a migrant and a xenophobic US-American with scenes from surveillance cameras and newscasts. These photos and videos found on the Internet show illegal border crossings and the resulting dangers and misery for the migrants who in most cases encounter police force and quasi-military structures. The hectic cut of the video and intermittent flashes create a disquiet and uneasiness that mirror the conversation of the two interlocutors and emphasize the dilemma of finding a common ground for discussion and ultimately a consensus of values and politics.

MAPA Latin American Art Videojournée Landscape Video Art Cabaret Voltaire Ximena Garrido-Lecca, Still from "Contours", 2015
Ximena Garrido-Lecca, Still from "Contornos", 2015

Ximena Garrido-Lecca (1980, Peru) ist eine Künstlerin mit Stationen in Peru, England, und Mexiko und arbeitet mit Film und Installationen. Die Beeinflussung des Lebensraums durch den Menschen und das Nebeneinander mit der Natur sind zentrale Punkte für ihre Arbeit in Peru, wo sie speziell die Auswirkungen der Rohstoffförderung betrachtet. In “Contornos” zeigt sie die Ränder einer riesigen abgesperrten offenen Mine neben einem Dorf, das seit Jahrhunderten besiedelt ist. Ein Archäologe erzählt aus dem Off anhand von Fundorten in der Region die Geschichte der damaligen Bewohner. Diese Kultur spiegelt sich noch immer in den Gebräuchen der heutigen Bevölkerung, wird aber Stück für Stück von der Industrie sprichwörtlich verschluckt.

Ximena Garrido-Lecca (1980, Peru) is an artist working in Peru, England, and Mexico, mainly with film and intricate installations. Her work thematizes the extensive modification of the landscape by humans and their life with nature, exemplified in the artists‘ native Peru by way of the large scale extraction of primary resources. Her video “Contornos” shows the borders of a huge open mine closed off from the adjacent village and region which has been populated for centuries. An archaeologist’s voice-over recounts the history of the ancient people as reconstructed by findings in the area. Their culture lives on in the customs of today’s population, which, however, is literally being swallowed by the mine over time.

MAPA Videojournée Cabaret Voltaire Zurich Landscape Latin American Art Video Mapuche Sebastian Calfuqueo, Still from "Alka Domo", 2017
Sebastián Calfuqueo, Still from "Alka Domo", 2017

Sebastián Calfuqueo (1991, Chile) arbeitet mit unterschiedlichen Materialien wie z.B. Keramik, Installation, Fotografie, und Video. Zentrale Themen sind dabei stets eine kritische Auseinandersetzung mit der Stereotypisierung von Sexualität, Geschlecht, Ethnie, und Klasse. Als Mapuche arbeitet er in der chilenischen Gesellschaft aus einer Minderheitsposition heraus und nutzt seine Kunst explizit als Medium, um auf rechtliche und soziale Ausgrenzung Aufmerksam zu machen. Sein Video “Alka Domo” ist eine aufgezeichnete Performance in der Person des Mapuche-Anführers Caupolicán, der der Legende nach einen Baumstamm zwei Tage lang auf seinen Schultern trug und im Kampf gegen die Spanier Ehre errang. Calfuqueo stellt diesen Kraftakt in Stilettos in den Farben der LGBTQI Flagge auf bedeutenden Plätzen in Santiago nach, um die Unterdrückung non-binärer Geschlechtsvorstellungen während der Kolonialzeit und bis heute ein Bild zu verleihen und sich dieser Entwicklung entgegenzustellen.

Sebastián Calfuqueo (1991, Chile) works with a variety of materials, such as ceramics, installation, photography, and video. His central themes are motivated by a critical analysis of the stereotypization of sexuality, gender, race, and class. Of Mapuche descent, he works from a minority position in Chilean society and uses his practice as an explicit way to call out legal and social discrimination. His video “Alka Domo” is a recorded performance of him as the Mapuche chief Caupolicán, who, according to the legend, carried a trunk on his shoulders for two days and achieved great victories over the Spanish conquistadores. Calfuqueo restages this act of strength wearing stilettos in the colors of the LGBTQI flag on public places in Santiago with significance to the history of the white population with the Mapuche. Through his endurance and resistance to denigratory comments by the public, he symbolizes the suppression of non-binary gender conceptions during Chile’s colonization until today and actively counteracts this development.

Videojournée MAPA Cabaret Voltaire Andrea Franco, Still from "En Ancón", 2012
Andrea Franco, Still from "En Ancón", 2012

Andrea Franco (1981, Peru) ist eine in Los Angeles arbeitende Künstlerin und Filmemachern mit einem Abschluss des California Institute of Art. Sie benutzt einen dokumentarischen Ansatz, um ihr soziales Umfeld in verschiedenen Situationen zu beleuchten. Ihre Arbeit thematisiert sichtbare und unsichtbare Grenzen innerhalb der Gesellschaft, die aus Migrationsprozessen, Klassenunterschieden, oder kulturellen Eigenheiten hervorgehen. Ihr Werk “En Ancón” porträtiert den berühmten Strandort Ancón, wo sie selbst mehrere Sommer verbracht hat. Das Video zeigt mehrere Szenen des Alltags während der Hochsaison, in denen die sozialen Schichten der peruanischen Gesellschaft deutlich werden, teils in offensichtlich durch abgesperrte Strände, teils subtil durch das Verhalten der Urlauber mit anderen Gästen oder innerhalb ihrer Familien.

Andrea Franco (1981, Peru) is an artist and filmmaker based in Los Angeles with a degree from the California Institute of Arts (Calarts). She uses a documentary approach to investigate her social environment in different contexts. Her work focuses on visible and invisible boundaries in society, deriving from migratory processes, class relations, and cultural differences. Her work “En Ancón” portrays the popular beach town of Ancón, where she herself used to spend her summers as a child. The video shows various scenes of the everyday life during high season, in which the economic stratification of Peruvian society becomes visible, be it through obvious signs such as closed-off beaches, or more subtly in the relations and interactions between the tourists with others or within their families.

Videojournée MAPA Border Agency (Sebastian Melo, Rosario Montero, Paula Salas), Still from "Los Invasores", 2018
Border Agency (Sebastian Melo, Rosario Montero, Paula Salas), Still from "Los Invasores", 2018

Agencia de Borde (Rosario Montero, Paula Salas, Sebastián Melo, Chile) ist ein Künstlerkollektiv, das sich speziell mit den Prozessen der Konstruktion von Landschaft beschäftigt. Ihr Ansatz ist explizit interdisziplinär und speist sich aus Erkenntnissen aus der Arbeit in Archiven und mit der Bevölkerung. So gehen sie den historischen und aktuellen Machtstrukturen zwischen Orten, Menschen und Dingen auf den Grund und zeigen, wie Landschaft durch Technologie repräsentiert wird. So zum Beispiel im Landmine Project über Minenfelder in Grenzregionen zu Peru und Bolivien, die nur mittels technischer Bilder wie Dronen-Fotografien oder kulturell über Konversationen mit Anwohnern, ihren Geschichten, und selbst erstellten Karten erfahrbar sind. In ihrer für die Videojournée produzierten Auskopplung “Los Invasores” (Die Eroberer) porträtieren sie ein immer noch umstrittenes Gebiet zwischen Chile und Peru, auf welchem sie zusammen campiert haben und dadurch den gleichzeitig leeren und symbolischen Raum künstlerisch umgemünzt haben.

Border Agency (Rosario Montero, Paula Salas, Sebastián Melo, Chile) is an artists collective focusing on the processes of the construction of landscape. Their approach is explicitly multi-disciplinary, involving archival research and community based methods to explore historic and current power structures that negotiate the relation between people, places, and things, and investigate how landscapes are mediated through technology. One example is their Landmine Project about minefields in the border regions to Peru and Bolivia, which are not immediately accessible, but rely on technical images such as photographs and videos from drones, or on its representation in culture through the collective memory of locals, their stories, and self-drawn maps. For our video journée, the collective recently produced “Los Invasores” (The Invaders), showing footage of their camping at a still disputed area on the border between Chile and Peru, which is as much an empty, impossible landscape as it is politically charged. Through their presence they appropriated and re-symbolized this landscape.

Chile Latin American Landscape Video Art MAPA Videojournée Cabaret Voltaire Zurich Francisco Belarmino, Still aus "Anywhere but here", 2017
Francisco Belarmino, Still from "Anywhere but here", 2017

Francisco Belarmino (1988, Chile) ist Künstler und Dozent an der Universität Uniacc in Santiago mit Beteiligungen an Ausstellungen in Chile, Argentinien, Spanien und Italien. Seine Praxis hinterfragt die Produktion von Bildern an sich, in medialer aber auch höchst persönlicher Hinsicht als Konstruktion und Vermittlung einer Identität und ihrer Ausdrucksform. In seinem Video “Anywhere but here” nimmt Belarmino ein Google Street View Bild seiner Geburtsstadt Illapel als Basis für seine Reflexion über die urbane Veränderung des Orts seit seiner Kindheit. Die computergenerierte Stimme aus dem Off richtet sich an den Zuschauer wie an sich selbst, gibt aber keine Informationen preis, sondern führt ihre Gedanken ins Absurde. Zusammen mit der Abstraktion in wenige Pixel löst sich das Bild als Referenz auf einen konkreten Ort in völlige Beliebigkeit auf, als leere Repräsentation.

Francisco Belarmino (1988, Chile) is an artist and teacher at the university Uniacc with participations in exhibitions in Chile, Argentina, Spain, and Italy. His practice interrogates the production of images, through various media and on personal levels as a construction and mediation of identities and their expressions. In his video “Anywhere but here”, Belarmino takes a Google Street view image of his birthplace Illapel as the basis for his reflexion on the urban development of the place since his childhood. The computer generated voice from the off addresses the viewer as it questions itself, however, without giving any concrete information but rather taking the monologue ad absurdum. Together with the abstraction into few pixels, the image as a reference to a concrete place dissolves into complete randomness and becomes an empty representation.

Diese Veranstaltung findet statt durch finanzielle Unterstützung durch das LZZ der UZH.

This event is kindly funded by the LZZ at UZH.